ДЕКАЛОГ: 1999 р. 10 фільмів через 20 років після закінчення тисячоліття

Ця поставка DECÁLOGO присвячена ностальгії, а особливо - відзначенню 20-ї річниці "Матриці", "Магнолії" та "Очі, щільно закриті"

1999 рік - кінець століття, настання нового тисячоліття, страхи та туга панують у зароджуваних соціальних мережах та ЗМІ; віртуальна реальність емоцій підтверджує зміну століття та його ймовірні наслідки хаосу та трансформації; Невизначене майбутнє, майбутнє та його безумство стверджують, що відключають світ, з'єднуючи його та перезавантажуючи його історію з кінця. Кінець оповідання, його переписування, або дно бездонної діри, кваліфікуються останні місяці року, надія не є постійною, боїться можливості, математика загрожує піддатися власним правилам через нерозбірливі, припущені абревіатури фактично Y2K ... Нічого цього не сталося, як було передбачено, в нульові години в перший день 2000 року.

Все йшло повільно і повільно, поки раптом, після подій 2001 року, у світі нічого не було б те саме, нічого, навіть страхи не були б однаковими, відоме було б невідоме, і обережність буде спрямована до непередбаченого ; кіно побачило поспіх, здивування, порожнечу і занедбаність, колективне самогубство відчаю. Різні фільми, зняті, випущені чи зняті у 1999 році, мали широкий ефект у різних жанрах, Россетта та Гімалая в міжнародному кіно , Вибори, Південний парк та Офісні клуби викликали несподівані посмішки, як очікували успіхи Несподіваних чудес, Хлопчики не плачуть, Невинності перервав o Талановитий містер Ріплі та Правила життя. Стрічки покоління, такі як " Американський пиріг" або " Секс-ігри", інноваційні ставки, такі як проект "Відьма Блера", або звичайні комедії, місце під назвою "Нічого пагорба" або дія, як "Мумія", наситили остаточний прохід кінотеатрів, таких як театри до кінокомплексу велика кількість проекційних екранів без проміжних, тих же стрічок каси, що і драматичні, якраз у середині процесу, які згодом надсилатимуть незалежні стрічки художнього розрізу до спеціальних приміщень з функціями недоступних графіків або невеликого спектру для перегляду.

У 1999 році відбулася прем'єра екранізації фільмів, присвячених освяченим режисерам, таких як "Життя до межі" Мартіна Скорсезе , "Інформатор Майкла Манна" , "Легенда про безголівського вершника " Тіма Бертона або "Проста історія " Девіда Лінча. воскресли і встановив анімаційний фільм, як це зробив Тарзан, або шедевр, який побачив у 2000 році його повне визнання: Бове Травей .

1999 рік, хоч це і назва знакової пісні величезного принца, але й рік, сповнений історичних та обставин, що оголосив про зміну постмодернізму на іронічну стадію або повний парадоксів, де вербіграція двох пристроїв, ми ближче від того, хто далеко, і далі від того, хто поруч, де в соціальних мережах зустрічаються і незгоди, додатків, платформ та пристроїв, які були б новим та особистим місцем розваг, де починають бути великі екрани та кінотеатри рекреаційний варіант майже виключно для великих постановок або саг.

Після 1999 року Гаррі Поттер, Володар кілець і Людина-павук, приїде в кінотеатр, щоб поступитися місцем воскресіння 3D в " Аватарі" через 1 десятиліття або через інше десятиліття стати свідком потопу майже повністю анімаційних фільмів або супергероїв, залишаючи двері відкритими для тих просторів для стрічок, які цікаво, з безособового, стали більш особистими. Я добре пам’ятаю 1999 рік, в тому році я пережив переживання, оповідані в моєму романі « Ель Сурко», і супроводжував свої роздуми стрічками, які представляє DECÁLOGO, присвячених ностальгії, і особливо до вшанування 20-ї річниці « Матриці», « Магнолії та очей» щільно закритий Порядок стрічок попереджає, що в 1999 році існує стільки великих досягнень, вмісту та виготовлення, що лише 10 сил намагаються вдатися до прихильності. Веселий факт: половина назви - це сирі опери, а їхні, ДЕКАЛОГ починається з дебютної опери режисера і завершується фінальним фільмом з іншого, який спонукає до творчості та нового віршу, який у поєднанні з останнім твором Зі спадщини кіно того року внесло свій внесок у канон універсальної кінематографії.

10. AMERICAN BEAUTY (американська красуня) Дір. Сем Мендес

Лауреат премії "Оскар" за найкращий фільм, суперечливий дебют Сема Мендеса став блокбастером і критиком, останній принаймні на початку, адже на відміну від більшості фільмів, в огляді якого його зміст переоцінений, краса Американський, з іншого боку, виявив ознаки завищення більшої частини спеціалізованих чорнила; Більше того, можливо, це було перспективою епохи складних, складних і деконструктивних стрічок, пропозиція Мендеса постала навіть як умовне підморгнення або розташована в просторі моралістичного комфорту, ніби дотримуючись бажань, отриманих покаранням. Правда полягає в тому, що фільм має сміливий сценарій і солідні вистави, де злощасний Кевін Спейсі досягає тонкої інтерпретації, а Аннета Бенінг виділяється явним неспокоєм нудьги, млявості і нещастя тим, що, здається, впало в ідеальну одноманітність Де нічого ідеального немає.

Сценарій Алана Балла, що супроводжується інтерпретаціями Веса Бентлі, Мени Суварі та досвідченого Кріса Купера, описує перипетії загальної, але нефункціональної родини Берхамів, досліджує околиці передмістя як арену співучасті, репресованих бажань, підхід до заборонене, самоцензура зовнішності та імітація як константа людських відносин серед прагнення середнього класу, на який вона посилається. Заголовок дає пошук, який, схоже, знайшов сенс краси у тому, що приховано, де кольори відображають ставлення, бажання та фантазії, в той час як реальність жорстока, як та, яка пригнічує, і яка добре відображає музику, складену Томасом Ньюманом . Пам’ятаю, коли я пішов подивитися фільм на світанку осені 1999 року, якраз на початку семестру, та з адреналіном рубежу століття, який до того часу був сором’язливою, найбільш шокуючою сценою, окрім візуально навіюючих та Класична послідовність ванни та червоних пелюсток, на які вона пов'язує, була та, в якій Лестер, одягнений у робочу форму, приймає Керолін на прийом ресторану швидкого харчування, розкриваючи гру відповідно.

9. ГІАНТ ІРОНУ (Залізний гігант) Дір Бред Берд

Якщо пригода населяла всі виміри уяви, то уява повинна бути пригодою. Ось так я міг би визначити простий і складний фільм «Залізний гігант», прем'єр-опера режисера Бреда Берда, який поділяв стіл з легендами анімації, як Тім Бертон і Джон Лассетер, і надав нюанси з Меттом Гронінг десяткам глав Лос Сімпсон у різні пори року. Характеризуючись поверненням анімації до зоряної площини кінотеатру з елегантним експериментом « Хто обманув Роджера Кролика» (1988) та «Маленька русалка» у 1989 році, 90-ті побачили появу франшиз, тематичних інновацій та фундаменту різних класичні історії, коріння яких найглибшими розвагами всіх віків, анімаційні фільми, як це було в десятиліття 40-х і 50-х років з особливим успіхом. Дісней керував зусиллями, спираючись на лідерство своєї традиції, поєднану з альянсом, який Каліфорнійська компанія зробить об'єднанням Pixar, компанії, яка заснувала Джорджа Лукаса в 80-х роках, і катапультувала вищезгаданого Джона Лассетера з Toy Story в 1995 році; пізніше до цього процесу додадуть інші дослідження.

Птах і її залізний гігант, заснований на книзі, написаній британським поетом Тедом Хьюзом в 1968 році, з'являються на сцені лише в кінці тисячоліття, де візуальні ефекти змагалися, як сьогодні, за дивовижну залу із все більш сміливими ефектами, ситуація, яка залишила лінію дуже високою для традиційного аніматора.

Залізний гігант прибув до театрів у 1999 році, і коли він прибув, він попрощався з залами, без особливого шуму, без особливих очікувань, вважав фінансовим фіаско і ставкою, що навряд чи зможе відновити його інвестиції; Однак критики та кіномани, які дали собі можливість насолоджуватися цим з часом, переглянули чудовий досвід, який означає фільм на емоційному та людському рівні. Анімація, змішана між традиційною технікою та інноваціями, історія, яка починається поза планетою, навколо неї і що відбувається в маленькому місті; урок зрілості та чутливості Хогара, чутливість дитинства, прагнення насолоджуватися та дивуватися навколишньому середовищу, і це закінчується щоденним, коли ми справді залишаємо мрії, які годували нас духом, коли нас було мало.

Історія, поставлена ​​в 50-ті роки, коли науково-фантастичні фільми були в самому розпалі, наземні навали, а також ядерна напруженість "холодної війни" населяли розмовами, уявою та припущеннями, що було недалеко від 1968 року, коли воно було написано ні 1999 року, коли кінець епохи породив страх, невпевненість і водночас оновлену надію. Хогарт Х'юз, киваючи новатору Говарду Х'юзу, - головний герой, який гніздиться у своїй поведінці, у своїй радість, у самотньому та цікавому дитинстві, бажаннях та мріях, які дитина зберігає та виражає у моменти, коли запрошує уява пригоди, завжди готові, завжди готові знати, відкривати, досліджувати, і в цих занепокоєннях сходить візит Залізного гіганта з космосу, прицілювання, зустріч і наступна взаємодія, роблять критику сучасності з постмодерності, погляд на останні 50 років, звістка про світанок нового тисячоліття та майбутнє, яке, як ніколи, просить причин і ігнорує почуття, навіть якщо вони їх відчувають.

Велетень здатний відчувати, слухати, бути свідомим, і все, починаючи з дружби з дитиною, здатний сприймати мир як повідомлення, мир як можливість, як можливість, а в пошуках бути тим, чим ти хочеш бути, цементувати дружбу як унікальну цінність; лиходії - це не роботи або космічні істоти, вони мешкають серед нас, одержимість, забобони, страх перед тим, чого ми не розуміємо, дихотомія науки, подвійність винаходів; стрічка попереджає, що герої - це ті, хто наважиться бути ким хочеться, окрім гордості, повідомлення охоплює пошук мрії від пошуку добра, і що жест відсуває його від себе, до «я» супергероя, зустрінемось у "ми". Бред Берд мав би монументальних критиків та успіхів у прокаті, "Неймовірні" (2004) та " Рататуй" (2007), стрічки, які дали б йому дві премії "Оскар" за найкращий анімаційний фільм, а потім фільм " Місія неможлива: Phantom Protocol", його перша і єдина дата завершення не анімована, для багатьох, найкраща доставка саги. Уява населяє пригоди справжніх головних героїв, дівчат і хлопців, які дозволяють нам продовжувати населяти межі дива, пригоди бути тим, ким ти хочеш бути.

8. ЩО ВИ ХОЧЕТЕ ЙОГОН МАЛКОВИЧ? (Будучи Іваном Малковичем) Реж. Спайк Йонзе

Інноваційний, динамічний, складний, свіжий, сміливий, ти хочеш бути Іваном Малковичем? Вона вибухнула, як рев у 1999 році, дебютною оперою Спайка Йонзе, здивувала тих, хто не сподівався побачити фільм, центральним персонажем якого був розум головного героя, не будучи ним, де актори дали життя головному герою. Ляльковику, крім випадкової цікавості, вдається знайти шлях до передпокою, який веде, на диво, до розуму актора та персонажа: Івана Малковича. Якщо в даний час актора визнано одним з найрізноманітніших акторів Голлівуду, він у 1999 році вже був і закрив 2 десятиліття різноманітних фільмів, які включали «Поля смерті та небезпечні стосунки», «Захисне небо» або «Лінія захисного» вогонь, але зробити стрічку про відкриття, розгадування, вивчення розуму актора, могло вийти лише від іншого чудового розуму, Чарлі Кауфмана.

Сценарій Кауфмана приголомшив індустрію з великим інтересом, і фільм був добре сприйнятий критиками, які переповнювали висвітлення вигаданої гри входження в розум знаменитості, свого роду розумового вуайризму, і подає його від Джона Касака Чудовий, втілюючи сором’язливого чоловіка, який бачить у цій обставині відображати свою протилежність, як і його дружина, у вірі туги, яка інтровертує, відкриває шлях до альтернативної реальності. Населення чужої думки, дезінфікування різноманітних особистостей, які знаходяться всередині нас, через внутрішнє співвідношення іншого, судження про інше та дзеркало, якими режисер майстерно поводиться.

Спайк Йонзе негайно знявся в лавах новонароджених режисерів нового тисячоліття, це був сприятливий рік пережити від найменш уявного, розум глядача від розуму актора очима інших та інших акторів, синергія безперервної інтерпретації, що виділялась у виступах Камерона Діаза та Кетрін Кінер, які проходять через тунель, що дивує те саме, що виявляє з найбільш віддалених просторів розуму, що ми схожіші, ніж ми думаємо на Джона Малковича.

7. ВСЕ ПРО МОЮ МАЙКА Дір Педро Альмодовар

Десятиріччя 80-х років означало для Педро Альмодовара етап надзвичайного успіху, особливо через величезний популярний і критичний успіх, який він досяг з Муджересом на межі нервового зриву, але саме в кінці 90-х Критики, безумовно, віддадуть свій талант поза визнанням їхніх розповідних достоїнств. Все про мою матір наповнювало латиноамериканське кіно сильно.

Складність його теми, опуклі кути відкриття, представлені її діалогами, потужні, чутливі та викликаючі дії, зробили її сюжет зухвалим, повним і глибоким способом вирішення втрати, рішення та перетворення буття перед життям., випадковість та обставина. Втрата сина для головного героя та зустріч із самим собою для іншого персонажа залишають теперішнє притулок, вимагаючи, випрошуючи минуле, матір шукає батька загубленого сина, батька, якого більше не існує, хоча живий, тому що він змінився на когось іншого, він зумів бути нею і в тій повноті, тотожності та пошуку свого місця після втрати дають стрічці режисера Манчего уявлення про те, що залишається від нас у втратах, в трансплантаціях, які дають смерть, дають життя, а материнство - як центральна концепція стрічки.

Сесілія Рот, Маріса Паредес та Пенелопа Крус пропонують виступи, наповнені силою, енергією та характером у фільмі, де її режисер досліджує різні теми, такі як гомосексуалізм, транссексуальність, віра, екзистенціалізм, роль жінки, материнство, зрозуміле з концепція мачо, звільнення відповідно жінок і чоловіків, фатальність і викуп від мистецтва. До акторської майстерності як такої підходить актриса, яка страждає, стомлена і переповнена, та сама, що доставляє, пропонує і виконує в ролях, які вона грає від самотності.

6. ШОСТИЙ СЕНС (Шосте почуття) Реж. М. Ніч Шямалан

90-ті роки характеризувались показом фільмів, дивовижні закінчення яких змінили горіх чи розповідь літературним поворотом, який дав глядачам веселі та дуже емоційні переживання, «Сім смертельних гріхів», «Бойовий клуб», «Корінь страху», Поширені підозрювані, Мрії про втечу - деякі з фільмів, остаточний вчинок яких був справжньою бурею несподіваних емоцій та вимушених дискусій. Шосте почуття приєдналося б до цього списку, але зробило б це з відмови, яке не тероризувало; від драми, що ніякої трагедії; від очікування, а не від рішучості.

Персонажі беруть участь у динаміці, яка досліджує смерть як присутність, свідчення як місіву, а телекінез як міжвимірну можливість власного життя. Дитина, Хейлі Джоел Осмент, стикається зі своїм лікарем, що в психології варто знайти парасикологічне та духовне в тому ж пошуку, зізнавшись, що він здатний бачити мертвих людей і навіть більше, якимось чином контактувати з ними; Брюс Вілліс, лікар, з бурхливим минулим щодо своїх пацієнтів у трагедії, вислуховує та відвідує передбачуваного пацієнта, мовчки спостерігаючи за відчайдушною поведінкою матері Тоні Коллет, шукаючи пояснення того, що відбувається. Історія про викуплення або маніфест до життя, від почуттів, або від того шостого почуття, яке відчуває понад те, що можуть відчувати живі, позиціонує оперу М. М. Шямалана як один з найкращих фільмів суспензія історії, що хоча вона потрапила в кліше і публічна насмішка через свою популярність, все ж це перше контактне кінематографічне досягнення, яке прагне побачити друге негайно, як можна було зібрати сюжет таким чином, щоб аудиторія не помічає кінця, поки вона не проявиться.

Інтеграція сугестивного наративу, який не розкриває, який приховує, але показує, агітує реакції глядача як очікувану аксіому, але чекає пояснень щодо несприятливої ​​реакції, складності складання сюжету як реакцій, не виявляючи визначеності, робить шостим сенсом безліч відповідей з тієї ж таємниці, формула, яку її режисер намагався повторити з неоднаковим успіхом у різних фільмах, і це також імітувалося в деяких інших реалізаціях. Творча форма Шямалана, безсумнівно, мотивувала дизайн форми тонкого виготовлення, як досягти реалізації фільму з дивовижним кінцем, що спричиняє другий погляд і що на третьому, здається, втрачає вплив першого погляду майже на його сукупність, тобто, це дивовижна стрічка, яка при першому контакті, з першого погляду, викликає попереднє піднесення всіх органів чуття до шостого.

5. КЛУБ Бойового дитинства, директор Девід Фінчер

За мотивами постмодерністського роману, символу X покоління та написаного Чак Паланюком, The Fight Club - це один із найяскравіших та найяскравіших фільмів у власній плутанині з останнього року 90-х. Отриманий таким чином на початку тепла критика та каси, потроху вона завойовувала повагу, визнання та велику кількість послідовників, які позиціонують її як фільм поза культом, поколінням, остаточним кінця століття.

Режисер Девід Фінчер, «Бійцівський клуб» досліджує різні теми, засновані на пошуку власного місця з екзистенціальної причини, а також на особистість, пов’язану з насильством, полегшенням, шизофренією або стресом повсякденного життя. Розмір оповіді розвиває подвійну особистість або багатоособистість, які закріплені в тому, ким ми є, якими ми не хочемо бути і якими ми прагнемо залишатися в середині, з оповідачем, який піддається реальності, коли відходить від неї, щоб зосередити свою увагу Розум, який його вимовляє. Бойовий клуб - це постійний пошук, відчайдушний виклик, почуття явної приналежності до неприналежності ні до чого. Перше правило проекту Mayhem - це не говорити про проект Mayhem, і в тому рядку, який стосується секретності туги, сценарій підтримує конфлікт приєднання до чогось чи когось, навіть до нас самих.

Тайлер Дерден став еталонним, символом емблеми, який спочатку має обличчя і який, по мірі просування фільму, розкриває іншого, щоб усвідомити, що це не те, ані інше, а все; таким чином клуб є місцем зустрічі загублених, нещасних чи істот, які перебувають у пошуку, і бійка є не що інше, як означення ставлення та насильства, можливість знайти простір, де немає ймовірності зустрітися Едвард Нортон, Бред Пітт, Джаред Лето та Хелена Бонхем Картер об'єднують слідство, яке гніздиться у зеленому та коричневому, чорному та сірому кольорах покинутої будівлі вогкової вологи, де він змовляється, зізнається, визначає без більше слів, ніж кулаки та енергія перед суспільством, яке випливає з них.

4. НЕ ОДНЕ МЕНШЕ (Ніхто менше) Режир Чжан Йіму

Майстер універсальної кінематографії Чжан Йімоу представляє не менш інтимний, чутливий і реалістичний фільм, який виходить за рамки мистецтва, щоб стати універсальним від людства його історії. В умовах маргіналізації та стійкості в сільській місцевості, не менш представлена ​​історія, яка протиставляє розвиток авангардного та технологічного Китаю, із сільським Китаєм для споживання сільського господарства та шкіл, які страждають на існування. Школа без вчителя, вчитель, який відсутній у сімейній драмі, заступник вчителя, якому не більше років вступу до підлітків, щоб занурити не тільки відповідальність викладання, але і батьківство, яке необхідно застосовувати для запобігання що жодна дитина не залишає класну кімнату з передчуттям, що, якби цього не зробив, він не міг би забрати свою виплату, але історія перевищує зарплату за співпереживання. Прагнення того, що означає школа, перевершує те, що означає сама освіта; У той момент, коли один із дітей дезертирує за обставиною та контекстом, і вона припускає їхати до нього до міста, ризики та перипетії подорожі не мають значення.

Це повернути його на себе відповідальність, зобов'язання, і в цій наполегливості Йіму використовує свої розповіді та візуальні ресурси, щоб зробити фільм повного неореалізму. Як документальний фільм, у поєднанні художньої літератури та реальності, відомий режисер представляє альтернативні реалії, паралельні подвійності економічного розвитку, що пов'язане з ним, інакше емоційний фільм, який був неймовірно заборонений на Каннському кінофестивалі, і що явно виграти Золотого Лева Венеціанського кінофестивалю. Наративна дихотомія Йімоу - руїна, яка катапультує стрічку як одного із референтів нового реалізму азіатського кіно та одного з найприємніших фільмів десятиліття.

3. МАГНОЛІЯ (Магнолія) реж. Пол Томас Андерсон

Пол Томас Андерсон конденсує падіння постмодернізму та його пошук ідентичності у вигляді болю, жалю, порожнечі та відчаю; кожен з персонажів, пов’язаних випадково або з нещастям, несе в своїх рядках, і особливо в своїх виразах, суму всіх страхів і тривог, що відповідають браку любові, прихильності та мотивів. Пошуки стану щастя, якого, здається, не існує, відставки, усміхненого сновидіння чи масок, що висвітлюють таємні наміри, характеризують музичні ноти спільної пісні, доброго сміху, розбитого прохання, невдалої спроби та добрих справ без мети чи сенсу . Американська красуня була придумана як фільм, що отримав Оскар за найкращий фільм, але фільм, випущений у грудні 1999 року, запам'ятається не в історії, як постійне попередження від суспільства, яке продовжує шукати свій простір у неправильний час: Магнолія Магнолія - це прекрасна сторінка історії сучасного кіно, гарна, хоча болить, красива, хоча страшна, красива, хоча сама по собі здається плачевною чи непривабливою.

Безліч чудових вистав залишає свій слід, ніби на папері було те полотно, куди підходять припливи, тремтіння і веселка в кінці шторму. Джуліанна Мур, Джон Ч. Райлі, Філіп Сеймур Гофман, Вільям Х. Мейсі, Фелісіті Хаффман та Джейсон Робердс - в його останній ролі - серед інших супроводжують потужне, цинічне, чуйне та, можливо, найкраще виконання у кар'єрі Круза, до роблять Магнолію одним із найкращих фільмів десятиліття, індивідуальним та колективним роздумом про парадокс, почуття, прихильності, підтвердження великого режисера та появу дощу, просоченого спокійнішими постмодерністськими ароматами. Том Круз отримав свою третю номінацію «Золотий глобус» та третю номінацію «Оскар» за найкращого артиста, що грає, за роль Френка Джей Джей Макі, персонажа, який став культом для тих, хто аналізує, вивчає та визнає кіно Томас Андерсон

Магнолія тяжіє до реалістичних, сирих і неспокійних моментів, подібно до того, як висить сюрреалістичні інтервали, одягнені в екзистенціалізм, неспокій і невизначеність; Причинність і випадковість переповнюють і звільняють, карають і викуповують дрібниці життя, як болісний калейдоскоп задухи і дихання. Офіційна пісня фільму "Сальваме" з великою точністю зображує в ліриці те, що туманне братство випадковості та контексту, терміновий заклик персонажів врятувати себе і в тузі не знайти порятунку в собі, там конкатенація історій піднімає коло поперечних союзів, які знаходять концентричні точки болю, і розсіяні точки для залишення. Фільм - це наративний приклад постмодернізму, який він проживає, і нового тисячоліття, яке кине виклик емоційним зв'язкам за допомогою віртуальних зв’язків.

2. МАТРИКС (Матриця) Братів Ваховських

Заселення реальності, яка нам дана і сприйняття її як належне, є частиною виживання життя, але кидає виклик догмі, сумніваючись у ній, з’ясовуючи її походження та відкриваючи можливість альтернативної реальності, яка нас оточує, запрошує глядача вставити у тому просторі-часі, який може маніпулювати енергією, статичним та динамічним рухом. Влітку 1999 року з нетерпінням чекали повернення « Зоряних воєн» в Епізоді I, щоб відкрити початок Дарт Вейдера через Енакіна Скайуокера, лиходія та героя на відмінності блокбастерів, зіркового персонажа сучасного кіно та цього року відзначає 4 десятиліття, визначаючи, як представити міфологію та її класичні міфи в кіно, життєво важливий процес, який надає значення його оповіді. Однак літо того року також було свідком серед інших фільмів жахливої ​​невдачі Дикого, Дикого Заходу у головній ролі Вілла Сміта, і суперечливої ​​літньої прем'єри, суперечливого фінального фільму Стенлі Кубрика, очі щільно закриті, з Ніколь Кідман та Томом Крузом .

У той час як Епізод I насичував касу, просякнуту пристрастю та ностальгією, а добре закриті очі провокували публіку психологічним трилером, Матриця, брати Ваховські, подарувала влітку враження візуальними ефектами та розвагами літа, заповідаючи Постійне літо, що стало візуальною іконою кінця століття. Нео, яку зіграв Кіану Ривз, є відображенням постмодернізму, де можливості структури та функціональності систем піддаються новим віруванням. Матриця переслідує та розкриває релігію, політичну систему та прихильність, відпущену відставкою чи звичаєм, щоб зробити "обраних" емансипативною альтернативою реальності. Нео прагне звільнити і перетворити своє власне повсякденне життя в майстерність, яка керує його середовищем і змінює розмір, де для братів Ваховських саме повідомлення є викликом.

Ефекти, використані в " Матриці", хоча вони надихнули пізніших хореографій і залишили незаперечний відбиток на технологіях на службі кіно, мали такий же резонансний ефект, як і її герої; не випадково для саги Джона Віка «Фішберн» він супроводжував Ривза на сцені, і що хореографії вкотре кидаються проти вітру. Це смішно, Вік відхилений від реальності, і, здається, вибраний, Нео - обраний, який не відповідає реальності. Майбутнє свідчить про те, що режисери на власному досвіді становлять життя викликом того, що йому надається, рухаючись до бажання, у чіткому посланні екзистенціалістської емансипації. Наприкінці того року, і коли століття закінчилося, щоб розпочати нове тисячоліття, кілька фільмів зробили вм'ятину в сімейному, релігійному та духовному " закладі ". Американська красуня, шосте почуття М. Шямалана або « Магнолія » Пола Томаса Андерсона, спричинить підморгуючі корали, що виявляють тривогу, ті ж захоплені відчуття, що сходилися в Матриці того літа 1999 року.

1. ОЧУ ЗАКРІТИ (Очі широко закриті) Реж. Стенлі Кубрик

Художня епітафія у творі провокатора бажань, тривожного дослідження пробудженого лібідо, яке режисер не досліджував з часів чудової Лоліти (1962), чудової літературної адаптації Набокова. Подружні стосунки, які перетворюють любов на звичай, смак у делегованій тузі, воля моногамії до фантазії, яка пригнічується і потім виражається в іграх розуму, поступаються місцем фільму, який найбільше зам'яв Постійний критик Кубрика і, в свою чергу, відкрив мистецьку дискусію у його послідовників. Лише наприкінці століття і напередодні нового тисячоліття очі, що добре закрилися, подаються як подвійний моральний погляд на аристократію в умовах невірності, етики та з більшою сміливістю, як огляд табуйованих питань постмодерного суспільства, торгівля та проституція як проблема міста, приховування зловживань поліцією, і з цього соціального допиту він потрапляє у синюваті кошмари подружжя, які переживають кризу спокуси та впевненості, подібну потребі в сповіді .

Том Круз і Ніколь Кідман приймають стосунки у реальному житті до художньої літератури, адаптованої з роману « Трамновель», написаного в 1926 році Артуром Шніцлером через героїв Вільяма та Еліс Харфорд. І як наслідок реальності, переплутаної з фантазією, більше двох років зйомок та інших контекстуальних обставин привели пару до розлучення, а Кубрик поставив свій останній фільм, також знявши режисерів Тодда Філда та Сідні Поллак, посмертно. Однієї ночі через місто та його околиці, мандрівка вулицями та його тінями, через місто та його костюми, стикається із сумнівною подвійністю злісного одкровення, яке Аліса робить Вільяму, і яке генерує уривки візуальної оргії, мотивованої ідентичність за маскою і переконлива сексуальність бажання, коли вона виражається. Заголовок, здається, застерігає глядача від іронії, очі будуть більш відкритими для припущення про "мав би", які виходять із забороненого. Сатирична різдвяна стрічка, випущена влітку 1999 року, яка протягом багатьох років була переоцінена і вважається культовою. Кубрік помер до прем'єри, можливо, полегшення скандалу знадобило б йому кілька років, поки критики не поділилися здригання Круза, як доктор Харфорд, при таємничих паролях ночі та їх ритуалах.

Через 20 років, дослідження інтер'єру доктора Хардфорда, відчайдушна нерухомість Аліси для відродження бажання від бажання, вилитого в кошмар сну, або братство масок, які приховують ідентичність, щоб придбати інших у танці чого заборонені і з урахуванням окультного вони продовжують розгадувати всілякі інтерпретації та думки думок, які переглянули стрічку, щоб розмістити її як одного із найскладніших, психологічно кажучи, відомого режисера. Становиться, що постмодернізм відходить для розміщення етапу невідкладних подій на особистісному та соціальному рівні, у взаємозв'язку опосередкованих, швидкоплинних термінових.

Правда полягає в тому, що останній фільм Кубріка чинив опір часу і набрав більше сил, ніж він мав суперечки 2 десятиліття тому, залишаючи не лише останнім рудиментом чи кінозаповітом свого режисера, але і як фільм, який наважився дослідити. муки самоцензури, придушених бажань або нудьги любові, що прагне інших країв відновити себе, від поглиблень розуму та його мук, вилилися в подвійні стандарти таємних намірів кінця тисячоліття, які було помічено в інші. 1999 рік, 2 десятиліття від початку і кінця століття, а для нас сьогодні, на зорі нового десятиліття.

Зображення на обкладинці: Широкі очі, Стенлі Кубрик (1999)

* Сценарист і документальний виробник. Вважається одним із провідних експонатів літератури іспаноамериканських свідчень. Він є автором романів « Ель Сурко», « Ель moтамо» та віршів « Навігація без весла» та « Кардинальні точки», які стосуються загальної міграції та вивчаються в різних університетах по всьому світу . Режисував документальні фільми "Людський голос і день відпочинку" Він є редакторським директором Filmakersmovie.com.